Le Repos de Mars est une huile sur toile de 181 × 99 cm, peinte par Diego Velázquez.
L’œuvre est inspirée d'une sculpture de Michel Ange pour la tombe des Médicis à la nouvelle sacristie de la Basilique San Lorenzo de Florence et nommée Le penseur. Cette représentation du dieu Mars par Vélasquez est à visée satirique. Dans ce cas, en plus de raisons morales de tendance contre-réformiste qui font représenter les dieux mythologiques de façon très terre-à-terre, Vélasquez montre également les retours de fortunes des armées espagnoles. La date de son exécution est très discutée, mais tout semble indiquer l'année 1640. La technique est fluide, les coloris variés. L'ensemble du casque du soldat nu se détache du reste de l'armure entassé à ses pieds.
La toile devait être peinte pour la tour de la Parada située à mi-chemin du terrain de chasse du mont du Pardo. Entre 1635 et 1638, ce petit palais se remplit de toiles sur des thèmes mythologiques et de chasse d'artistes tels que Rubens, Frans Snyders ou Cornelis de Vos. En parallèle de ces toiles le peintre sévillan réalisa également Ésope et Ménippe. Le Mars de Vélasquez resta à la tour de la Parada de 1642 environ avant d'être transféré au Palais royal de Madrid avant 1772. L'académie royale des beaux-arts de San Fernando l'abrita de 1816 à 1827, date à laquelle elle fut exposée au Musée du Prado.
C'est une huile sur toile, les coups de pinceaux sont doux et espacés. Par le contraste des couleurs les plus vives, le bleu et le rouge, il semble suivre la mode française de modérer les tons chauds par une couleur froide, bien plus que les tonalités chaudes vénitiennes typiques du Titien. En plus de cette influence française, il faut ajouter une seconde influence, qui assimile les couleurs froides et argentées de Véronèse, du Tintoret, et du Greco. En parallèle à ce changement dans le coloris, se détache également une nouvelle facture, la peinture s'éloigne de l'aspect sculptural qu'elle avait avant 1630. Le peintre s'appuie plus sur les caractéristiques intrinsèques des couleurs, vivifiées par la lumière ; et à l'effet qui en résulte à distance dans l’œil du spectateur. Dans cette œuvre baroque, la composition est dominée par la structure géométrique et est complétée par l'attitude au repos du personnage et une posture basée sur la symétrie.
La toile suit le rythme iconographique de Vélasquez de gauche à droite et est pensée dans le sens de la lecture. Le peintre ajoute un élément, la lumière, qui coïncide avec le point de vue du spectateur si la lecture commence par la gauche. Dans le sens contraire, il agit comme une paroi réfléchissante et qui oblige à une lecture inverse. Il s'agit d'un regard pendulaire pour capter la composition. Pour le reste, l’œuvre présente une ligne horizontale au premier plan, marquée par le bouclier qui marque le sens de lecture, de gauche à droite. Le tout est complété par des ébauches de lignes de profondeur. Le développement vertical commence en diagonale depuis la partie inférieure gauche de la composition et culmine par une ligne droite. Enfin, un dernier point typique de Vélasquez est le traitement des mains, qui ne les termine jamais totalement. C'est comme s'il les avait ébauchées au lieu de les dessiner.
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